El dibujo es la forma primaria del arte y, según muchos, la más pura y placentera. Dejaron constancia de la idea creadores tan dispares como Paul Klee («quiero ser como un recién nacido, sin saber nada, absolutamente nada, entonces quiero hacer algo modesto, descubrir por mi cuenta un pequeñito motivo formal, uno que mi lápiz será capaz de mantener sin técnica»), Edgard Degas («el dibujo no es lo misma como la forma, es una manera de ver la forma») y, sobre todo, Pablo Picasso, para quien dibujar era una necesidad vital y apremiante.
«Dibujo como otras personas se muerden las uñas», aseguró en una ocasión el artista español para explicar la necesidad física de abocetar sobre un papel. «Para dibujar, debes cerrar los ojos y cantar», añadió en otra intentando dar una lección del arte del dibujo como el único que permite el dominio del impulso puro.
Resumen perfecto
La exposición Marks of Genius (Marcas del genio) responde desde el título a la idea del dibujo como obra no preconcebida, espontánea y fácil. La muestra, en el Instituto de las Artes de Minneapolis (EE UU) hasta el 21 de septiembre, quiere servirse de un centenar de piezas «extraordinarias» dibujadas para condensar en un resumen perfecto los últimos quinientos años de la historia del arte.
Echando mano de los ricos fondos de la pinacoteca, una de las más importantes de los EE UU en el subgénero del dibujo y el grabado (casi 3.000 piezas), los organizadores han querido agrupar a maestros celebres desde el Renacimiento hasta nuestros días. Entre las obras aparecen las firmas de Ludovico Carracci, Guercino, Thomas Gainsborough, Eugène Delacroix, Degas, Gustav Klimt, Egon Schiele, René Magritte y Georgia O’Keeffe.
Es la primera vez que los trabajos se exponen al mismo tiempo, dada la alta sensibilidad a la luz de los dibujos, que sólo salen de los almacenes de los museos durante períodos cortos de tiempo. «Estamos enseñando nuestros tesoros al público», dice la coordinadora de la muestra, Rachel McGarry.
No cronológica
El sentido de Marks of Genius es mostrar «la inmediatez del dibujo» y explorar su papel como «medio de estudio, observación, resolución de problemas técnicos o registro de la imaginación del artista» y los organizadores han tenido el tino de eludir la presentación cronológica de las obras y optar por su objetivo final para crear los diferentes apartados de la muestra.
Spark of Creation (Chispa de creación) presenta los dibujos como «anteproyecto e invención». El momento estelar del apartado es Study for The Lapland Witch, un preexpresionista dibujo a brocha y lavado del inglés del siglo XVIII George Romney. En From Life (De la vida) se agrupan varios estudios de observación tomados del natural de, entre otros, Pierre-Joseph Redouté, que se dedicaba a los apuntes botánicos de enorme precisión.
Una Caperucita Roja de Rackham
Portrait Drawings (Retratos dibujados) presenta obras como un Autorretrato a tinta Lovis Corinth, mientras que la sección Figural Abstracción (Abstracción figurativa) documenta estudios de formas y expresiones, entre ellas un Hércules de Guercino y Storytelling (Cuenta cuentos) está dedicada a los dibujos de tema narrativo como una gótica ilustración de Arthur Rackham para Caperucita Roja.
Cada segundo domingo del mes el museo organiza talleres prácticos gratuitos para que los interesados aprendan a dibujar. Quizá, como insistió Picasso, perciban que «el ritmo es una percepción del tiempo y cuando dibujas, el cansancio de la mano es un ritmo».
La colección William Farquhar de dibujos de historia natural consta de 477 dibujos botánicos en acuarela de plantas y animales de Malasia y Singapur realizados por artistas chinos desconocidos (probablemente cantoneses) que fueron encargados entre 1819 y 1823 por William Farquhar (26 de febrero de 1774-13 de mayo de 1839). Las pinturas estaban destinadas a ser de valor científico con dibujos muy detallados, excepto las de las aves que tienen texto que va más allá de su propósito original. Para cada dibujo, se escribió a lápiz el nombre científico y/o común del espécimen en malayo y, ocasionalmente, en inglés. Un traductor también escribió los nombres malayos en jawi con tinta. El papel utilizado era normalmente papel europeo enmarcado por un marco azul, mientras que algunos no tienen ningún marco, lo que hace sugerir que pudieron existir dos artistas.[1]
Historia
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El dibujo de este Durian muestra un buen ejemplo de gran detalle científico que refleja el interior del fruto y la estructura de la semilla.
Durante su mandato como residente y comandante de Singapur, Farquhar contrató a un grupo de artistas chinos de Macao capacitados profesionalmente (como lo describe Munshi Abdullah[1]) para pintar acuarelas de la flora y la fauna de la península malaya. Farquhar los donó en ocho volúmenes al Museo de la Real Sociedad Asiática de Gran Bretaña e Irlanda el 17 de junio de 1826. En 1937, la Sociedad prestó seis de los volúmenes a la Biblioteca del Museo Británico (Historia Natural) (ahora Biblioteca del Museo de Historia Natural), conservando los dos volúmenes de dibujos botánicos en su propia biblioteca. En 1991, el Museo de Historia Natural devolvió las obras a la Sociedad para su valoración, y el 20 de octubre de 1993 la Sociedad las puso a la venta en subasta en Sotheby’s de Londres, donde fueron adquiridas por Goh Geok Khim, fundador de la firma de corretaje GK Goh por S$ 3 millones. Goh donó los dibujos al Museo Nacional de Singapur en 1995. En 2011, se creía que la colección valía al menos $ 11 millones. En 2011, 70 obras de la colección se colocaron en exhibición permanente en la Galería Goh Seng Choo del museo, que lleva el nombre del padre de Goh.[2]
Controversia
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Debido a la calidad variable del trabajo realizado por algunos artistas, algunos dibujos han resultado difíciles de identificar. No obstante, los botánicos han identificado algunos de estos dibujos problemáticos, uno de los cuales es un dibujo de un malcoha de Raffles macho en el que el pecho es demasiado amarillo. Otros que aún no se han identificado incluyen un dibujo de una planta trepadora similar a Smilax. La placa 29 de la inscripción de la colección dice Soogow, probablemente un error ortográfico de «saga». Sin embargo, el dibujo muestra poco parecido con esta última.
Los historiadores sugieren que muchos de los fondos de los dibujos se copiaron de manuales de dibujo. Un ejemplo de ello es un dibujo del ciervo ratón grande, cuyo fondo muestra un trepador sin hojas pegado a una roca. Algunos eruditos cuestionan esto, ya que los ciervos ratón no viven en hábitats tan rocosos. Esto sugiere que los artistas no visitaron el hábitat del sujeto o, si lo hicieron, que no fueron particularmente observadores.
En el libro Natural History Drawings: The Complete William Farquhar Collection, Malay Peninsula 1803-1818, un artículo de Kwa Chong Guan sugiere que había dos artistas, uno generalmente enmarca sus obras como se ve en la ilustración del durian y otro que hace lo contrario. Por lo general, el artista que dibuja un marco alrededor de su trabajo muestra hongos en forma de rocas mientras que el otro toma las rocas en su propia forma natural. Además, el artista que dibuja marcos generalmente tiene dibujos de árboles con sus raíces extendidas mientras que el otro las representa de una manera apretada.
Libros
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Las obras se publicaron en dos volúmenes, el primero de ellos, The William Farquhar Collection of Natural History Drawings, publicado en 1999, muestra 141 de estas ilustraciones.[3] En 2010, Editions Didier Millet y el Museo Nacional de Singapur publicaron una segunda versión que contiene impresiones de las 477 obras de la colección de Farquhar.
Galería
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Véase también
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Referencias
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Bibliografía
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- Descripción de los dibujos de historia natural de William Farquhar de Antiques of Orient.
Enlaces externos
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El dibujo es una de las formas de arte visual más antiguas, y tiene una historia larga y diversa. Se le considera la base de todo el arte y a menudo es el primer medio que los estudiantes deben dominar. Si bien su amplio acceso lo ha convertido una herramienta para creadores de todos los niveles, los dibujos a menudo son opacados por la pintura y la escultura.
Sin embargo, muchos artistas conocidos por su trabajo en color también fueron dibujantes extraordinarios. De hecho, maestros como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rubens realizaron innumerables dibujos preparatorios antes de cada pintura para estudiar sus temas y desarrollar composiciones. Del mismo modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres creó refinados retratos de grafito que están entre sus trabajos más famosos.
Aquí, exploraremos 10 artistas famosos que utilizaron el poder de las líneas en sus obras de arte
¿Quiénes son los dibujantes más famosos? Conoce a algunos de los mejores maestros de la línea.
Leonardo da Vinci (1452 – 1519)
Leonardo da Vinci es el hombre renacentista por excelencia, y su incesante curiosidad lo inspiró a estudiar arte, ingeniería y naturaleza. Todos estos intereses viven en su legado de cuadernos.
En estos cuadernos hay cientos de bocetos detallados que exploran la anatomía humana, los animales, la vida vegetal, sus inventos y más. En ellos, vemos cómo Da Vinci usó el dibujo para pensar críticamente y resolver problemas.
Alberto Durero (1471-1528)
Alberto Durero, artista del Renacimiento nórdico, fue el primero en elevar el grabado a una forma de arte. Realizó grabados, xilografías y aguafuertes basados en sus meticulosos y detallados dibujos. Fue la primera vez que un artista intentó duplicar ilustraciones tan realistas, y su abrumador éxito posteriormente inspiró a otros artistas a realizar y distribuir grabados.
Miguel Ángel Buonarroti (1475 – 1564)
Para muchos, Miguel Ángel sigue siendo el mejor artista de todos los tiempos. Su dominio sobre diferentes disciplinas —pintura, escultura, arquitectura— es incomparable. Sin embargo, el corazón de su práctica creativa era el dibujo.
Antes de cada pintura y escultura, el artista italiano realizaba numerosos bocetos de la figura humana. Estos dibujos expresivos revelan una comprensión profunda de la anatomía y la fisiología y brindan una idea de cómo Miguel Ángel abordó sus elaboradas composiciones.
Rembrandt (1606 – 1669)
Celebrado por sus éxitos en múltiples medios y tipos de temas, Rembrandt fue descrito como un “coloso del arte” por el prolífico escultor Auguste Rodin. En su dibujo, era conocido por su capacidad para representar tanto paisajes como sujetos de forma rápida y con seguridad.
El artista británico David Hockney elogió el dibujo gestual de Rembrandt Dos mujeres que enseñar a un niño a caminar, diciendo: “Creo que es el mejor dibujo jamás hecho … Es un dibujo magnífico, magnífico”.
Peter Paul Rubens (1577 – 1640)
Peter Paul Rubens, conocido por sus mujeres voluptuosas, colores opulentos y composiciones dinámicas, es considerado uno de los pintores más influyentes del periodo barroco. Antes de embarcarse en pinturas por encargo, creaba varios estudios preliminares de sus sujetos.
Estos bocetos supervivientes muestran la confianza en su técnica y capacidad de dibujo del artista flamenco. Con solo unas pocas líneas seguras, podía transmitir gestos y emociones.
Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780 – 1867)
El artista neoclásico Jean-Auguste-Dominique Ingres era conocido por sus pinturas de gran tamaño que celebraban las técnicas de pintura tradicionales. Y si bien su trabajo en óleo a veces fue examinado por los críticos contemporáneos por sus matices góticos, sus numerosos dibujos y retratos de grafito fueron muy venerados por su precisión al capturar la apariencia física y la personalidad de un sujeto..
Edgar Degas (1834 – 1917)
Si bien la mayoría de los impresionistas se inspiraron en paisajes pintorescos, el artista francés Edgar Degas prefirió capturar sujetos humanos, especialmente aquellos en movimiento. Además de sus muchas pinturas conocidas, también realizó innumerables estudios al pastel y al lápiz de bailarinas, cantantes y mujeres que se bañaban, cada uno de los cuales muestra su delicadeza al representar la forma humana en acción.
Gustav Klimt (1862 – 1918)
La mayoría asocia las brillantes pinturas de Gustav Klimt con sus toques dorados. Pero el artista austriaco también fue un maestro de la línea que utilizó trazos fuertes en sus composiciones. Sus impresionantes representaciones de la figura femenina utilizan el escorzo y la perspectiva.
Henri de Toulouse-Lautrec (1864 – 1901)
Contemporáneo de Vincent van Gogh y Paul Gauguin, el artista francés Henri de Toulouse-Lautrec pasó la mayor parte de su vida en la parte más desprotegida y teatral de París.
En sus carteles, Toulouse-Lautrec emplea un uso magistral de la línea para caracterizar a artistas reconocidos de la época, como Yvette Guilbert, Louise Weber y Jane Avril. Su dibujo capturó el movimiento de la danza y la energía de la vida nocturna parisina durante la Belle Époque.
Pablo Picasso (1881 – 1973)
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Con una carrera que abarcó 79 años, Pablo Picasso es conocido por cambiar su estilo de pintura varias veces. Sin embargo, a lo largo de sus muchos cambios creativos, el artista conservó una forma singularmente decisiva de capturar el mundo que lo rodeaba en dibujos. En particular, estos bocetos muestran cómo el artista español solo necesitaba unas pocas líneas para evocar la forma de sus sujetos.
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